Nonostante esista un'enorme varietà di tipi di design, il numero dei suoi rami principali può essere contato sulle dita della mano. Pertanto, speriamo che il nostro viaggio attraverso i rami del design non si riveli così noioso...

Per prima cosa, diamo un'occhiata al design industriale. Questo tipo di design è spesso chiamato industriale. Come avrai intuito dal nome, questo settore si occupa dell'aspetto dei prodotti industriali. Il design industriale ha origine nel XVIII secolo e un certo Josiah Wedgewood è considerato il fondatore di questo tipo di design. Il rapido sviluppo del design industriale è iniziato nella seconda metà del XX secolo. Fu in questo periodo che tentarono in tutti i modi di nobilitare qualsiasi prodotto industriale. Negli Stati Uniti, tra l'altro, esiste persino una tavola speciale di design industriale. Queste sono le cose.

Il prossimo ramo del design è la progettazione del paesaggio. Questo termine ci è arrivato dall'America, più di cento anni fa. Fu in quel momento che un numero enorme di parchi e piazze fu posato attraverso l'oceano, quindi la necessità di questo tipo di design sorse da sola. La cosa principale nella progettazione del paesaggio è la capacità di combinare la bellezza artificiale con la bellezza naturale. Sassi, vegetazione e quant'altro vanno ad aiutare il paesaggista. La cosa principale è che il designer dovrebbe essere in grado di combinare componenti naturali con componenti artificiali. Attualmente, la progettazione del paesaggio è incredibilmente popolare in Russia e si sta sviluppando a un ritmo rapido. Probabilmente hai visto come il Giardino dell'Eden con fontane e sentieri favolosi appare da una zona spoglia e anonima.

Ora parliamo di graphic design, in quanto è la forma d'arte più versatile. In effetti, questo è ciò che vediamo ogni giorno e ciò che abbiamo sempre incontrato. La funzione principale della progettazione grafica è quella di distinguere, ad esempio, un logo aziendale da un altro. Un altro punto importante di questo ramo del design è l'impatto emotivo su una persona. Un esempio è il logo Apple. Oggi quasi tutto il mondo conosce questa immagine di una mela morsicata e tutti la associano a qualcosa. Il design grafico è probabilmente il tipo di design più semplice e popolare oggi. È difficile, vedi, nel 21° secolo immaginare bottiglie senza volto, vestiti, oggetti per la casa identici, come era nell'era dell'URSS. Per qualche ragione, un mondo grigio e cupo è disegnato nell'immaginazione. Riviste belle, cose luminose e memorabili, auto da cui è difficile distogliere lo sguardo: tutti questi sono i frutti del design grafico.

In una riga a parte, parleremo un po' del Web-design, che dominerà la palla al balzo nel prossimo futuro, grazie al passaggio graduale di una persona ragionevole al mondo online. Il compito principale di un web designer è attirare un utente su una pagina su Internet. Idealmente, un'immagine realizzata da un designer dovrebbe coesistere pacificamente con il testo. Se questi due componenti si completano a vicenda, allora questo tandem può attrarre un numero enorme di persone che leggono il tuo sito educativo, o un gruppo di acquirenti, per il tuo negozio online.

Sì, ci sono concetti come il design della moda, il design dell'auto, il design delle cerimonie, il design 3D. Tutto questo è così. Ma, in primo luogo, tutte queste specie sono derivati ​​di ciò che abbiamo descritto sopra, e in secondo luogo, quando le descriveremo tutte, poiché ne appariranno già molte nuove.

La professione ha lo scopo di ottimizzare l'aspetto del prodotto. Arte, tecnologia e marketing sono le tre componenti di questo campo di attività. Per raggiungere con successo l'obiettivo, un professionista cerca prototipi di alta qualità e analizza campioni di mercato già pronti. Con l'ausilio della modellazione tridimensionale, risolve il problema del rapporto tra aspetto e funzionalità di un singolo prodotto. Lo specialista calcola come ridurre i costi e rendere sicuro il prodotto. Un designer industriale ottiene la massima efficienza quando utilizza programmi grafici: 3D Studio Max, SolidWorks, solidThinking, Rhinoceros, Pro/Engineer, 3D CAiD, Solid Edge.

Qualità personali

Una combinazione armoniosa di inclinazioni tecniche e artistiche è ottimale per il design industriale. La specializzazione in attività industriali richiede una mentalità pratica. Inoltre, il designer è un esteta con un perfetto senso dello stile. Sono richiesti un occhio sviluppato e un'accurata percezione del colore. Il designer non è un artista, quindi per il risultato, non l'ispirazione, ma la perseveranza gioca un ruolo più importante.

Dove studiare per questa professione.

L'ammissione al progettista richiede i risultati dell'esame di Lettere, oppure. Inoltre, la variabilità dell'elenco è aumentata da Matematica o Lingua Straniera. Il richiedente supera indubbiamente una prova creativa, composta da due parti: Disegno e Composizione. Per inviare i documenti, seleziona il profilo Disegno Industriale.

Nei primi due corsi, allo studente vengono insegnate le basi di Disegno, Pittura, Composizione. Con l'aiuto di compiti non banali, l'insegnante insegna allo studente a pensare in modo originale e vedere le cose da un'angolazione diversa. Parallelamente, gli studenti ricevono una formazione sull'uso di software professionali. Negli ultimi corsi di laurea, tutte le materie speciali saranno approfondite. Tuttavia, per padroneggiare la professione su vasta scala, è auspicabile aumentare il periodo di formazione a sei anni.

Esempi universitari:

• Università statale di tecnologie industriali e design di San Pietroburgo - SPbGUPTD;

Pro e contro della professione.

Carriera. Luoghi di lavoro.

I posti vacanti per un designer industriale sono solitamente pubblicati da laboratori di produzione e arte e studi di design. Inoltre, l'occupazione è possibile in varie imprese della città. A volte i designer diventano liberi professionisti e in seguito avviano le proprie agenzie. Questa professione è molto richiesta nel mercato dei servizi freelance. Ad esempio, decine di posti vacanti per il lavoro a distanza per un designer industriale vengono aggiunti ogni giorno allo scambio di freelance Bee.net. Il livello iniziale degli stipendi oscilla a livello di 20-30 mila rubli. Gli specialisti con esperienza possono contare su un aumento della tariffa base fino a 55 mila rubli.

professioni correlate.

Anche i web designer sono specialità correlate.
Un designer industriale è uno specialista piuttosto raro in Russia. A causa della forte domanda per la professione, i designer di altri campi tendono a cambiare specializzazione. Con un forte desiderio e un approccio competente al business, il processo non è così complicato. Vale la pena studiare la letteratura professionale e padroneggiare il software necessario.

La professione di designer è richiesta in molti settori: progettazione del paesaggio, industria automobilistica, sartoria. L'ottenimento della professione avviene al momento dell'ammissione alla relativa specialità nelle università, nelle scuole tecniche e negli istituti superiori.

Caratteristiche dell'ammissione: punteggio superato, requisiti per i candidati

Per l'ammissione, i candidati devono fornire certificati con 35-82 punti nelle discipline "Matematica" (o "Letteratura"), "Lingua russa", "Storia". Un ulteriore requisito potrebbe essere l'esecuzione del lavoro introduttivo: la consegna di un disegno, una composizione. È possibile accedere alla formazione specialistica in design, che verrà svolta per 3-6 anni, sia in un istituto di istruzione secondaria specializzata che in un istituto di istruzione superiore. I candidati hanno accesso a tutte le forme di istruzione (tempo pieno, part-time, serale) e ad entrambe le forme di pagamento (budget/contratto).

Design speciale: divisione per direzioni

Il lavoro di un designer è indispensabile per la creazione di nuovi prodotti, la pubblicità di successo delle merci o la loro promozione, il rinnovo. Convenzionalmente, la divisione della specialità può essere effettuata in due aree: la visualizzazione delle idee e il design degli oggetti. Il primo permette di presentare elementi, eventi. Il secondo è volto a dettagliare il progetto, in base al quale verranno realizzati attrezzature, trasporti e abbigliamento. C'è la seguente qualifica nella specialità:

1. Design speciale per settore (codice - 54.02.01)

Una formazione approfondita nella direzione permette di modificare il profilo durante l'intero periodo di studio. Include la specialità 54.02 01 studio di design del modo di rappresentare le persone, l'ambiente, l'abbigliamento. Vengono studiate le basi del design, la rappresentazione degli oggetti. Vengono considerate le moderne tecnologie informatiche utilizzate per rappresentare gli elementi.

Dopo la laurea all'università, gli studenti possono ricevere tali specialità: editore artistico, designer d'interni. È consentito il lavoro successivo nelle istituzioni educative.

2. Specialità di progettazione dell'ambiente architettonico (codice - 07.03.03)

L'ammissione è effettuata sulla base di 11 classi. La durata degli studi è di 5-6 anni. L'obiettivo principale della formazione è apprendere le basi della stesura di progetti per apportare modifiche agli interni e agli esterni di edifici residenziali e commerciali. Un ulteriore elemento di formazione è lo studio di diversi materiali da costruzione, che consente di scegliere le materie prime più efficaci e sicure per risolvere vari problemi architettonici.

Dopo la formazione in questa specialità, gli studenti possono svolgere le seguenti professioni: architetto paesaggista, designer di mobili e luci, paesaggista.

3. Progettazione grafica specialistica (codice - 54.03.01)

L'ammissione alla specialità viene effettuata dopo 11 classi. La durata degli studi è di 4 (per il tempo pieno) e 5 (per il tempo parziale, misto, serale). Le aree di studio sono molteplici: dalla creazione di progetti e la preparazione di varie immagini alla visualizzazione di oggetti tridimensionali o alla progettazione di parti. Progettazione di codici speciali 54.03.01.

Progettazione grafica specialistica: con chi lavorare? Chi ha ricevuto questa specialità può trovare lavoro: architetto-designer, decoratore, designer di mobili, vestiti e prodotti in metallo, designer pubblicitario.

Design specializzato - formazione

Le principali aree di formazione comprendono lo studio di una varietà di tecniche grafiche, lo studio di base o approfondito dei programmi di computer grafica. Dopo la laurea, i giovani professionisti dovrebbero essere in grado di:

• visualizzare oggetti, singoli elementi di sistemi e sviluppare nuove immagini;
• creare progetti di nuovi oggetti con una descrizione dettagliata di ogni singolo elemento o blocco;
• ottimizzare i costi di restauro, restauro o ristrutturazione di oggetti;
• selezionare i componenti più efficaci (ad esempio i materiali) per la creazione di oggetti;
• essere in grado di presentare correttamente un'idea e creare una visualizzazione redditizia (sia prodotti reali che virtuali).

Il tirocinio si basa su lavoro interinale presso aziende e istituzioni governative con cui l'Ateneo stipula una convenzione. La formazione pratica prevede la realizzazione di progetti grafici e la redazione di documentazione per il loro successivo sviluppo.

Design specializzato - Università, scuole tecniche, college

Puoi ottenere una specialità in un istituto di istruzione secondaria o superiore. Scegliendo la progettazione specialistica del software libero, il richiedente deve studiare in un college o in una scuola tecnica per 2 anni e 10 mesi o 3 anni e 10 mesi. Puoi iscriverti alle seguenti istituzioni educative:

• Istituto di economia e design di Mosca;
• Istituto statale di cultura di San Pietroburgo;
• Università statale di architettura e ingegneria civile di Samara;
• Università statale di costruzione di Rostov;
• Istituto statale di cultura di Krasnodar.

Il costo della formazione in una specialità può variare da 50 a 300 mila rubli all'anno. Il prezzo dipende dalla direzione scelta, dalla forma di istruzione. L'ammissione ai posti budget è disponibile (con voti alti per i certificati).

Design specializzato - scuole tecniche, college

• Collegio di servizio e design di Lipetsk;
• Perm College di Tecnologie Professionali e Design;
• Stary Oskol College of Technology and Design;
• Vologda College of Technology and Design.

Design specializzato - lavoro

Il dispositivo viene eseguito secondo la professione ricevuta. I giovani designer di interni ed esterni possono lavorare in uffici e giudici che progettano nuovi edifici, coinvolti nella ricostruzione degli edifici. I titolari delle professioni di architetto paesaggista o paesaggista possono ottenere un lavoro in agenzie governative coinvolte nello sviluppo di piani per il rinnovamento della città, la creazione di nuove aree ricreative.

Gli specialisti che hanno ricevuto una formazione nel campo della progettazione grafica possono lavorare come insegnanti in scuole d'arte o università private. La maggiore richiesta è per i laureati del profilo "computer design". Possono essere nel settore pubblicitario, partecipare allo sviluppo di prodotti virtuali o eseguire visualizzazioni di progetti architettonici.

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BASE DI PROGETTAZIONE

Definizione di "design". rami del design.

La parola "design" è apparsa nel XVI secolo ed è stata usata inequivocabilmente in tutta Europa. L'Oxford Dictionary del 1588 fornisce la seguente interpretazione della parola: "un piano o uno schema concepito da un uomo per realizzare qualcosa, il primo schizzo di un'opera d'arte futura".

Nel settembre 1969, al Congresso del Consiglio Internazionale delle Organizzazioni per il Design (ICSID), fu adottata la seguente definizione: “Sotto il termine design si riferisce all'attività creativa, il cui scopo è determinare le qualità formali degli oggetti prodotti dall'industria. Queste qualità della forma si riferiscono non solo all'apparenza, ma principalmente alle relazioni strutturali e funzionali che trasformano il sistema in un'unità olistica dal punto di vista sia del produttore che del consumatore.

Il design come processo creativo può essere suddiviso in:

disegno artistico- la creazione del mondo materiale dal punto di vista puramente estetico della percezione (manifestazioni esterne della forma);

estetica tecnica- la scienza del design, che tiene conto di tutti gli aspetti, e soprattutto costruibilità, funzionalità, comfort di produzione, funzionamento, smaltimento di un prodotto tecnico.

Il comfort è la facilità d'uso.

Rami di progettazione:

- Design industriale: strumenti, meccanismi, elettrodomestici, design dei trasporti, design dei mobili;

- Progettazione dell'ambiente Parole chiave: design dell'ambiente urbano, design della navigazione, design degli interni, design illuminotecnico, colore e supergrafica;

- Progettazione del processo: corporate identity, design cerimonia; programmi di progettazione;

- Progettazione 3D: Animazione 3D, interior design, Presentazione 3D;

Progettazione grafica: font, stampa, web design, identità visiva, marchi, comunicazioni visive, mobile design

- progettazione del paesaggio: creazione di artificiali e ricostruzione di paesaggi di una volta, detrologia decorativa;

- Progettazione architettonica: edilizia di massa (abitazioni pubbliche ed edifici industriali, strutture di ingegneria);

- Progettazione di abbigliamento, calzature, accessori.

2. Arte applicata dell'antica Russia.

Reperti archeologici indicano che già nel Paleolitico, dal 14 al 12 millennio a.C. circa, il bisogno artistico dell'uomo primitivo si manifesta non solo nelle prime forme di belle arti (pitture rupestri, plastica), ma anche nella fabbricazione di oggetti utilitaristici - attrezzi, utensili per la casa. Nel processo di miglioramento, comprensione delle proprietà di vari materiali, padronanza dei metodi e delle tecniche di lavorazione, selezione dei più economici, efficaci da essi, sono emerse le prime idee sulla bellezza dei prodotti del lavoro, si è formato un senso estetico universale dell'uomo .

I cacciatori primitivi, che usavano solo strumenti di pietra grezza, hanno già cercato di decorare i loro oggetti in osso e corno con semplici ornamenti o immagini di animali, scolpire figurine in osso primitivo (figurine simili sono state trovate nei siti di Kostenka sul Don e Malta vicino a Irkutsk). Queste antiche forme d'arte sono strettamente legate al culto delle forze della natura e venivano utilizzate nell'esecuzione di rituali magici.

L'aspetto di un ornamento come mezzo di decorazione artistica e figurativa di oggetti è dovuto allo sviluppo nell'era primitiva della tecnologia per la lavorazione di vari materiali naturali: pietra, osso, argilla. Trucioli che incorniciano uniformemente il tagliente di un coltello da pietra e ne aumentano l'affilatura, intrecciano le aste della sua base che si intravedono sulla superficie di argilla del piatto, ecc. - queste peculiari tipologie di “ornamento tecnologico” costituivano uno stimolo naturale per lo sviluppo del senso del ritmo, dell'ordine, dell'integrità strutturale della forma.

Con l'avvento e il perfezionamento della lavorazione dei metalli non ferrosi (rame, stagno, oro, argento, ecc.), le arti ei mestieri dei popoli antichi raggiunsero un'elevata fioritura. Molti prodotti dell'era paleolitica - armi, strumenti, utensili, amuleti e gioielli - ricevono nuove forme e scopi. Stanno emergendo nuovi rami della produzione artistica, come la fusione, la forgiatura e la cesellatura dei metalli, la gioielleria, la lavorazione del legno, ecc.

L'artigianato artistico delle tribù scite, che vagavano dai Monti Altai ai Carpazi, raggiunse un'alta abilità, assorbendo elementi della cultura dell'Oriente e dell'Occidente. I prodotti per la casa degli Sciti - decorazioni per finimenti per cavalli, vestiti, armi, ecc. - erano riccamente rifiniti con metalli preziosi. La decorazione era dominata dallo "stile animale".

L'emergere della cultura dell'agricoltura e dei culti agrari pagani ad essa associati provocò la formazione finale tra i popoli insediati di idee integrali e sorprendentemente armoniose sul mondo e sul posto dell'uomo nella natura. Nelle arti applicate sta prendendo forma un sistema di simbolismo pittorico, che per molto tempo ha determinato la struttura della trama dell'arte decorativa popolare. Il cerchio è un simbolo del sole che dà la vita; il gallo che prefigura il mattino è un uccello profetico; una serie di anatre o oche - acqua, fiume; corna di toro o di toro - la personificazione della fertilità; un cavallo è un'immagine del sole o un guerriero, una vittoria in battaglia; ramo, cespuglio - primavera, rinascita della natura, ecc.

Nei secoli VIII - X molti prodotti diversi furono riccamente decorati. La tecnica artistica è varia. Ad esempio, i prodotti in legno sono realizzati sia intagliati che dipinti; il metallo è forgiato, coniato, inciso, smaltato; i tessuti vengono tinti, ricamati con fili, perline, perle, ecc. I falegnami urbani del X - XIII secolo dispongono già di un corredo abbastanza ricco di strumenti: seghe, asce, martelli, coltelli, scalpelli, trapani, pialle. I piccoli mestieri domestici trovati dagli archeologi (cucchiai, vasi, casse di scacchi) parlano della straordinaria maestria degli antichi artigiani russi.

La rapida crescita dell'artigianato artistico urbano inizia in Russia dalla fine del X secolo. A quel tempo, la necessità di una varietà di prodotti aumentò notevolmente a causa delle nuove condizioni storiche: l'unificazione delle tribù slave e la loro formazione del più grande stato slavo orientale, l'adozione di un'unica religione di stato (cristianesimo), lo sviluppo di città e l'espansione delle relazioni diplomatiche e commerciali esterne. L'invasione mongolo-tartara (1237) e i successivi quasi tre secoli di dipendenza della Russia dai khan dell'Orda d'Oro portarono al declino e alla stagnazione in molti rami dell'attività economica. Tuttavia, non hanno paralizzato completamente l'energia creativa delle persone, che hanno continuato ad accumulare conoscenze, esperienze e abilità in vari mestieri. I maestri russi erano molto apprezzati dalla nobiltà e dalla popolazione comune dell'Orda d'Oro.

L'arte di vestire tessuti e pelle è stata ampiamente sviluppata in Russia. C'erano molti tessuti per la tappezzeria di mobili, pareti e soffitti. Le materie prime per loro erano lino, canapa, lana di pecora. Sono stati importati tessuti di seta: taffetà, bayberek, raso e velluto, oltre a tessuti pregiati. Il tacco, o tacco, dei tessuti è noto in Russia dal X secolo. I tintori, tenendo conto della rapida vendita di merci, hanno sostituito il tessuto dipinto a mano con la stampa di tavole di legno intagliate. Successivamente, il motivo dell'imbottitura è stato realizzato anche sulle assi, martellandovi dei chiodi. I tessuti multicolori sono stati ottenuti stampando da più schede. Sono stati utilizzati coloranti ad olio o crema pasticcera, polvere d'oro o d'argento su una pasta. Molto spesso, il lino era imbottito, meno spesso la canapa.

Prodotti in metallo, decorazioni e dettagli venivano prodotti con tutti i metodi allora conosciuti in Europa. L'attività di smalto raggiunse un'elevata fioritura: rivestimento di prodotti in metallo con massa vetrosa colorata fusibile (smalto cloisonné o champlevé). Vicino all'arte della tecnica dello smalto c'era l'arte del niello, cioè annerendo i recessi del motivo inciso. L'arte della filigrana era strettamente associata a loro: tessere un ornamento con filo d'oro e d'argento (meno spesso - rame).

La doratura si è diffusa ampiamente in Russia, a quanto pare dal 15° secolo. La doratura e l'argentatura del legno divenne presto uno dei preferiti in falegnameria. La formazione di falegnami, intagliatori, orafi e altri artigiani avveniva, di regola, nei monasteri. Così, nel 1456, nella Trinità-Sergius Lavra, sotto la guida del maestro Ambrogio, venne istituita una scuola di intagliatori del legno. Per soddisfare le esigenze della corte del granduca, Vasily III organizzò l'Armeria di Mosca nel 1511, officine che producevano varie armi e articoli per la casa.

Nella soluzione artistica dei prodotti per la casa e degli interni residenziali nel XVII secolo trovano posto i motivi ornamentali e decorativi tradizionalmente russi: l'antica Kiev, Novgorod, Suzdal e Vladimir. Allo stesso tempo, i maestri utilizzano ed elaborano in modo peculiare le trame e le tecniche del gotico, del rinascimento italiano e del barocco.

L'arte applicata dell'antica Russia ha attraversato tre fasi principali di sviluppo:

Lo stadio della formazione come tipo speciale di creatività artistica nelle condizioni del primitivo sistema comunitario e tribale;

La fase della formazione delle tradizioni e delle scuole nazionali sul territorio degli stati di Kiev e Vladimir-Suzdal nell'era pre-mongola;

- la fase di alto sviluppo professionale e l'emergere della produzione di prodotti per il mercato.

Con tutta la differenza tra queste fasi in termini di orientamento sociale della creatività dei maestri, si può parlare di un unico periodo nello sviluppo delle arti decorative e applicate in Russia, poiché in questo periodo secolare, taglio” si possono rintracciare tendenze e direzioni ad esso comuni.

3. Arte applicata della Russia XVIII - inizio XX secoli.

La storia della Russia alla fine del 17 ° secolo - il primo quarto del 18 ° secolo è inseparabile dal nome di una delle più grandi figure politiche della Russia - Pietro I. In questo momento si introducono innovazioni significative non solo nel campo della cultura e nell'arte, ma anche nell'industria - metallurgia, cantieristica, ecc.

Allo stesso tempo, vengono gettate le basi del sistema statale di istruzione generale e speciale. Furono create nuove scuole, i giovani furono mandati a studiare all'estero, nel 1725 fu fondata l'Accademia delle Scienze, presso la quale fu aperto un dipartimento di arti e mestieri.

Nel XVIII secolo si formarono nuovi principi di architettura e urbanistica. Gli edifici di San Pietroburgo, iniziati nel 1703, forniscono i primi esempi di soluzione complessa per un insieme di interni, rappresentando un insieme unico in termini estetici. L'armonizzazione decorativa degli interni può essere individuata come il principio principale e determinante nella forma e nella finitura di tutti i singoli prodotti. La decorazione dei locali del palazzo di inizio '700 è tuttavia caratterizzata da soluzioni sobrie e utilitaristiche. I mobili, sebbene strutturalmente indipendenti, hanno una comunanza stilistica tra loro e si adattano bene agli interni professionali di quel tempo. Ciò è facilitato dall'uso diffuso del legno nella lavorazione di pannelli murali, aperture di porte e finestre, cornicioni, pannelli di porte, ecc. A poco a poco, i metodi di organizzazione degli interni dei palazzi si sono diffusi nelle case degli strati medi della popolazione. Questo periodo è caratterizzato da un aumento della modellatura dei prodotti dai tratti caratteristici del barocco dell'Europa occidentale (Olanda, Inghilterra).

Le norme della vita nobile, ora forti, stabili, dopo aver ricevuto un brillante marchio di classe, richiedono rappresentatività dal design degli interni: una dimostrazione di ricchezza, raffinatezza e brillantezza nella vita di una persona sovrana. Le forme del vecchio modo di vivere, compreso quello di Pietro (ancora commerciale, severo), furono finalmente espulse verso la metà del 18° secolo. La posizione dominante nell'arte russa è occupata dal cosiddetto stile rococò, che logicamente completava le tendenze del tardo barocco. Gli interni cerimoniali di questo periodo, ad esempio alcune stanze dei palazzi Peterhof e Tsarskoye Selo, sono quasi interamente decorati con elaborati intagli.

Le caratteristiche generali della decorazione rocaille (curvatura delle linee, disposizione abbondante e asimmetrica di fiori stilizzati o quasi realistici di foglie, conchiglie, occhi, ecc.) Sono pienamente riprodotte nell'architettura e nei mobili russi dell'epoca, nelle ceramiche, negli abiti, carrozze, armi cerimoniali, ecc. d.

Dagli anni '60 del 18° secolo iniziò il passaggio al classicismo nell'architettura russa con le sue forme laconiche e rigorose, rivolte all'antichità e segnate da grande moderazione ed eleganza. Lo stesso procedimento avviene nell'art.

Nella pianificazione, attrezzatura e decorazione di palazzi e palazzi cittadini, compaiono una chiara simmetria e una chiarezza proporzionale. Le pareti dei locali (tra le finestre o di fronte ad esse) sono nascoste da specchi e pannelli in damasco di seta, tessuti decorativi in ​​cotone, stoffa o tele dipinte con primer. I pavimenti sono in legno di varie specie, e talvolta ricoperti di tela o stoffa; i soffitti sono dipinti (ad esempio, la tecnica della grisaille che imita la modanatura in rilievo). Le transizioni dalle pareti al soffitto nelle stanze anteriori sono risolte sotto forma di cornici, le porte si trasformano in portali con una finitura profilata sviluppata. Le aperture delle finestre aumentano notevolmente, ottengono belle proporzioni.

L'intimità dei locali domestici, solitamente al secondo piano, è creata attraverso l'utilizzo di essenze legnose locali per la decorazione di pareti e pavimenti. Quindi, invece di comporre il parquet, vengono utilizzati pavimenti in listoni di abete "sotto cera". Pareti e soffitti sono spesso rivestiti con tessuto o tappezzati. Se nelle stanze anteriori sono disposti caminetti in marmo di dimensioni impressionanti, nelle camere intime vengono erette stufe più tradizionali su piedistalli o gambe, rivestite con piastrelle. La differenza nelle lampade è altrettanto evidente: nelle sale ci sono lampadari, candelabri, applique costosi e fatti di gioielli, nelle camere - candelabri e lampade molto più modesti. C'è ancora più contrasto nelle forme dei frontali e dei mobili per la casa. Tutto questo parla non tanto del desiderio dei proprietari di palazzi e palazzi di risparmiare denaro, ma della loro considerazione dell'ambiente oggettivo come fattore importante: un'atmosfera psicologicamente appropriata.

La maggior parte dei mobili e una serie di altri prodotti alla fine del XVIII - prima metà del XIX secolo non erano costantemente necessari: se non ce n'era bisogno, venivano rimossi o trasferiti in parti dei locali utilizzate in modo inattivo. I mobili dei posti a sedere devono essere coperti. Allo stesso modo, mobili trasformabili con un piano di lavoro: tavoli da tè e da gioco, un tavolo da pranzo pieghevole, un tavolo per il ricamo, un sistema di tavoli di diverse altezze che si adattano l'uno all'altro, ecc. una varietà di aspetto dei locali in vari situazioni quotidiane. Allo stesso tempo, sono state evidenziate una serie di lavorazioni domestiche, che sono state eseguite all'esterno dell'edificio nella stagione calda - sulla terrazza e nel parco. Di conseguenza, si stanno diffondendo nuovi tipi di prodotti: mobili per il giardinaggio paesaggistico, tende da sole per ombrelloni, lampade per parchi, ecc. Il parco stesso diventa un oggetto di arte decorativa sviluppata.

Il primo quarto del 19° secolo è stato caratterizzato da un'impennata generale della portata ideologica e costruttiva nell'architettura russa, che ha causato una significativa rinascita anche nell'arte applicata. La vittoria nella guerra del 1812 accelera in una certa misura e completa il processo di formazione della cultura nazionale russa, che sta acquisendo un significato paneuropeo. L'attività degli architetti più famosi - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, strettamente connessa con il classicismo del periodo precedente, cade solo nel primo decennio del secolo. Sono stati sostituiti da una galassia di maestri straordinari come Rossi, Stasov, Grigoriev, Beauvais, che hanno portato nuove idee e un diverso spirito stilistico all'arte russa.

Rigore e monumentalità sono tratti caratteristici dell'architettura e delle forme di vari oggetti per la casa in stile impero. In quest'ultimo i motivi decorativi cambiano notevolmente, più precisamente, la loro tipologia si espande attraverso l'uso dei simboli decorativi dell'antico Egitto e di Roma: grifoni, sfingi, fascia, attributi militari ("trofei"), ghirlande intrecciate con una ghirlanda, ecc. Rispetto agli esempi del primo classicismo, generalmente aumenta la quantità di decoro, il suo "peso visivo" nella soluzione compositiva dei prodotti. La monumentalizzazione, a volte come un ingrossamento delle forme, avviene a causa della maggiore generalizzazione e geometrizzazione dei motivi ornamentali classici - bordure, ghirlande, cetre, armature, ecc., che si stanno allontanando sempre più dai loro veri prototipi. La pittura pittoresca (scene, paesaggi, bouquet) di oggetti scompare quasi completamente. L'ornamento cerca un punto, un contorno, un'applicabilità. I prodotti per la maggior parte, in particolare i mobili, diventano grandi, massicci, ma diversi nella configurazione generale e nella silhouette. Tuttavia, verso la metà del XIX secolo, i set di mobili in termini di composizione, tipo e dimensioni si stavano adattando sempre più alle dimensioni dei piccoli appartamenti. La pesantezza dello stile impero nei mobili è quasi scomparsa già negli anni '30 dell'Ottocento.

A partire dalla metà del XIX secolo, in tutte le città iniziò la costruzione estensiva delle cosiddette case popolari, i cui singoli appartamenti furono affittati dai proprietari. Lo strato raznochinskaya che crebbe nell'ambito di una società feudale di classe (ne uscirono per lo più ingegneri, medici, insegnanti, ecc.), così come le tendenze sorte negli ambienti capitalisti a organizzare la vita secondo la loro misura specifica, divenne uno dei fattori più significativi nelle nuove ricerche nel campo dell'architettura, della creatività applicata e industriale.

Anche i locali molto più piccoli delle case redditizie e dei palazzi della borghesia richiedevano un ambiente appropriato. Ciò è legato alla nascita della direzione artistica europea, denominata "Biedermeier", dal nome del borghese - uno dei personaggi dello scrittore tedesco L. Eichrodt con il suo ideale di comfort, intimità ed economia. Si prendono a modello oggetti da palazzo dell'inizio del XIX secolo, ma le loro dimensioni diminuiscono, la loro forma diventa più leggera e più modesta.

Nella seconda metà del XIX secolo, il lavoro manuale fu ulteriormente estromesso dalla produzione di articoli utilitaristici per la casa. Da secoli, i metodi e le tecniche della loro soluzione artistica, i principi del plasmare, che si sono evoluti nei secoli, sono in conflitto con le nuove tendenze economiche nel carattere di massa e nella redditività della produzione sul mercato. La risposta al cambiamento della situazione è duplice. Alcuni maestri - la maggior parte di loro - fanno compromessi. Considerando indistruttibile la visione tradizionale di tutte le cose quotidiane come oggetto di arte decorativa e applicata, iniziano ad adattare i motivi ornamentali del classicismo alle capacità della macchina e delle tecnologie seriali. Appaiono tipi "effettivi" di decorazione e decorazione dei prodotti. Negli anni '30 dell'Ottocento in Inghilterra, Henry Cool avanzò lo slogan esteriormente riformista: decorare i prodotti di fabbrica con elementi "dal mondo delle forme delle belle arti". Molti industriali sono ansiosi di riprendere lo slogan, cercando di trarre vantaggio dall'attaccamento della massa dei consumatori alle forme di arredamento per la casa decorate esternamente e arricchite da ornamenti.

Nei paesi dell'Europa occidentale e in Russia, per la prima volta, l'artigianato e gli artigiani, nel cui lavoro sono state ancora preservate profonde tradizioni popolari, hanno attirato l'attenzione di teorici e artisti professionisti. In Russia, le fiere di Nizhny Novgorod degli anni 1870 - 1890 dimostrano la fattibilità di queste tradizioni nelle nuove condizioni. Molti artisti professionisti - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich e altri - si rivolgono con entusiasmo alle origini popolari dell'arte decorativa. In varie regioni e province della Russia, in città come Pskov, Voronezh, Tambov, Mosca, Kamenetz-Podolsk e altre, stanno emergendo imprese artigianali, la cui base è il lavoro manuale. Il lavoro delle officine ad Abramtsovo vicino a Mosca, a Talashkino vicino a Smolensk, l'impresa di P. Vaulin vicino a San Pietroburgo e l'artel di ceramica Murava a Mosca furono di particolare importanza per la rinascita di mestieri creativi in ​​via di estinzione. Tuttavia, i prodotti di tutte queste officine costituivano una parte così insignificante del consumo totale da non poter avere alcun effetto evidente sulla produzione di massa, sebbene dimostrassero la legittimità dell'esistenza di un'arte decorativa che preserva le tradizioni popolari insieme alla produzione di massa di macchine di cose. Successivamente, ciò è stato confermato dall'invasione della tecnologia delle macchine in settori delle arti decorative e applicate come la gioielleria (gioielleria), la tessitura dei tappeti, la sartoria, che hanno portato a un forte calo della loro qualità artistica.

Nelle forme della maggior parte dei manufatti della seconda metà del XIX secolo, non si sta praticamente sviluppando nulla di nuovo. Tuttavia, la novità della situazione più generale già in questo momento contribuisce all'aggiunta di prerequisiti interni per ricerche innovative: la realizzazione di ricerche stilistiche come un'importante esigenza creativa, come manifestazione dell'individualità artistica del maestro. Se fino ad oggi le tendenze stilistiche (gotico, rinascimentale, barocco, classicismo, ecc.) sono nate e si sono diffuse, di regola, a seguito di tendenze generali, quasi “globali”, spontaneamente cristallizzate nello sviluppo estetico del mondo, allora da l'originalità stilistica della metà dell'Ottocento è considerata come una conquista creativa diretta di un singolo artista, l'architetto. A questo proposito, si attiva fortemente l'interesse per il patrimonio d'arte di tutti i tempi e di tutti i popoli. Questo patrimonio più ricco diventa fonte di imitazioni, prestiti diretti o subisce bizzarre elaborazioni creative. Di conseguenza, la maggior parte dei prodotti è un'immagine insolitamente variegata, in cui sfarfallano chiare o sottili reminiscenze dell'antichità, dell'era romanica, del Rinascimento gotico, italiano o francese, dell'arte di Bisanzio e dell'antica Russia, del barocco, ecc. , spesso mescolandosi ecletticamente nella progettazione di un prodotto, interno, edificio. Pertanto, questo periodo nella storia dell'architettura e delle arti applicate è stato chiamato eclettico. Tuttavia, gli articoli (lampade, secchi di metallo, abbeveratoi, piatti, sgabelli, ecc.) sono relativamente economici, ma realizzati senza alcuno scopo artistico, spesso in forme brutte e di scarsa qualità.

La ricerca di un nuovo stile viene effettuata tenendo conto della reale esigenza delle condizioni di produzione delle macchine, un approccio fondamentalmente nuovo alla formazione dei prodotti, da un lato, e la conservazione delle tradizioni decorative del passato, dall'altro Altro. La borghesia, che alla fine del XIX secolo aveva preso una posizione di forza nell'economia russa, si batteva per la propria ideologia artistica nell'architettura e nel design: il culto della libertà razionale e relativa dagli arcaismi della cultura nobile, incoraggiando tutto in arte che potesse competere con gli stili del passato. Tale era alla fine del 19° secolo lo stile Art Nouveau - "nuova arte" in Belgio, Gran Bretagna e Stati Uniti, "Jugenstil" in Germania, "stile Secessione" in Austria, "stile libero" in Italia. Il suo nome - "moderno" (dal francese moderne) significava "nuovo, moderno" - dal lat. modo - "proprio ora, di recente". Nella sua forma pura, sfumando e mescolandosi con altre tendenze stilistiche, durò poco, fino al 1920 circa, cioè. circa 20 - 25 anni, come quasi tutti gli stili dei secoli XVII - XX.

L'Art Nouveau è diverso nei diversi paesi e nel lavoro dei singoli maestri, il che complica la comprensione dei compiti che ha risolto. Caratteristico, tuttavia, comune a tutte le sue varianti, è stato lo sradicamento pressoché totale di tutti i motivi e le tecniche decorative e ornamentali precedentemente utilizzati, il loro radicale rinnovamento. Cornici tradizionali, rosoni, capitelli, flauti, cinture ad “onda in arrivo”, ecc. sono sostituiti da piante stilizzate di crescita locale (gigli, iris, garofani, ecc.), Teste femminili con lunghi capelli ricci, ecc. Spesso non c'è alcuna decorazione e l'effetto artistico si ottiene grazie all'espressività della silhouette, segmentazione della forma, linee, di regola, finemente tracciate, come se fluissero liberamente, pulsanti. Nelle forme dei prodotti Art Nouveau si sente quasi sempre una volontà stravagante dell'artista, la tensione di una corda tesa, proporzioni esagerate. Nelle manifestazioni estreme, tutto ciò è fortemente esacerbato, elevato a principio. A volte emerge un disprezzo per la logica costruttiva della forma, una passione quasi finta per il lato spettacolare del compito, soprattutto nella risoluzione degli interni, spesso effettivamente teatrali. Con tutte le debolezze - pretenziosità, a volte volume delle forme, calcolo di trame pittoriche e ornamentali per intenditori di storia, letteratura, arte - l'Art Nouveau ha portato un nuovo approccio alla risoluzione di un edificio, degli interni e dei suoi arredi. Questa è la seconda cosa comune che accomuna la maggior parte dei fenomeni moderni. La disposizione dell'abitazione (palazzi, dacie della borghesia) è svincolata da ogni artificioso canone di zonizzazione funzionale, caratteristica delle dimore nobiliari dell'epoca precedente. Diventa flessibile, si adatta allo stile individuale e al ritmo di vita del proprietario. In molti casi, ciò ha portato a una maggiore attenzione al lato funzionale del problema, a una soluzione globale dell'intero ambiente architettonico e dell'oggetto. I mobili sono visti e creati come un elemento organico di questo ambiente, gran parte di esso diventa incorporato. Lo sviluppo integrato di palazzi ha dato un nuovo impulso allo sviluppo della produzione in serie di set di mobili di varia composizione e scopo per appartamenti in case popolari. È nelle profondità del movimento del “nuovo stile” che nascono le idee e si fanno le prime sperimentazioni per creare prodotti la cui bellezza è determinata non dalla loro elaborazione puramente decorativa, ma dalla logica di un approccio funzionale, costruttivo e soluzione tecnologica.

L'Art Nouveau, per così dire, aprì e preparò la strada per l'istituzione di nuovi principi estetici e creativi nell'arte di creare cose di tutti i giorni, accelerò l'emergere di una nuova professione artistica: il design artistico (design).

La formazione del funzionalismo e del costruttivismo come tendenze speciali nell'architettura e nel design artistico dei paesi occidentali avvenne alla fine degli anni '10 in connessione con la stabilizzazione della vita e il successo dell'economia dopo la prima guerra mondiale. Ma nel campo della produzione di prodotti industriali, un serio cambiamento è previsto solo alla fine degli anni '10, quando sorsero due dei più grandi centri educativi d'Europa: il Bauhaus in Germania (1919) e VKhUTEMAS nella Russia sovietica (1920).

Rappresenta lo sviluppo dell'arte applicata in Russia nel XVIII e all'inizio del XX secolo processo teso e complesso. Il quadro cronologico della maggior parte dei suoi fenomeni ed eventi più importanti è molto vago, stratificato uno sopra l'altro. Ma il contenuto principale in esso era la più importante delle tendenze emerse in questo periodo, le contraddizioni interne caratteristiche sempre più aggravate.

Questa incompatibilità dell'estetica classicista tradizionale, e quindi in larga misura dell'estetica della modernità, con l'economia e la tecnologia della produzione di macchine di massa doveva finire con la loro disintegrazione.

Un'altra tendenza di crisi che ha causato tesi conflitti nella vita artistica è un divario sempre crescente tra i requisiti per l'arte applicata professionale e l'arte popolare democratica, che ha cercato di mantenere le tradizioni nazionali. Questo divario è stato fortemente sentito da molti maestri d'arte come l'opposto delle esigenze estetiche e culturali delle classi privilegiate e delle masse del paese.

Infine, la terza contraddizione nello sviluppo dell'industria artistica del XIX secolo è l'urgenza per la produzione di impiegare artisti speciali, data l'oggettiva incapacità della produzione stessa (all'allora livello di sviluppo della tecnologia delle macchine) di utilizzare l'artista come un membro alla pari di un unico team di creatori di un prodotto industriale, insieme a un ingegnere e un tecnologo.

La permeazione dell'arte applicata dell'Ottocento (soprattutto la seconda metà) con queste contraddizioni ne ha determinato la diversità e la complessità estetica, la complessità e la dolorosa insolubilità dei problemi creativi sorti e posti. L'uscita da queste contraddizioni, in gran parte previste dai pionieri del design (Wright, Behrens, Mies van der Rohe, ecc.), è stata possibile, come la storia ha mostrato, solo sulla strada del ripensamento dell'estetica dell'ambiente dell'oggetto, prendendo tenendo conto delle nuove esigenze socio-culturali che si confrontano con la produzione industriale di massa e del ruolo mutevole dell'artista nella creazione dei suoi prodotti.

4. Il concetto di colore. Colori cromatici e acromatici.

Colore - la proprietà dei corpi di provocare una o l'altra sensazione visiva secondo la composizione spettrale della luce da essi riflessa o emessa.

Il colore ha caratteristiche come la tonalità (diverse tonalità di colore), la saturazione (grado di luminosità del colore), la luminosità (riflessività della superficie del colore). L'intera varietà di colori può essere brillata in tre gamme principali:

1) una serie di toni acromatici grigi che vanno dal bianco al nero (differiscono solo per la leggerezza, che è determinata dal coefficiente di riflessione);

2) serie cromatiche (colori dello spettro), che possono essere suddivise secondo i seguenti criteri:

a) gamma calda: giallo, arancione - rosso e loro stati intermedi;

b) gamma fredda: verde, blu - viola e loro stati intermedi;

c) colori aggiuntivi: blu - arancio, verde - rosso, viola - giallo. I colori complementari si trovano diametralmente l'uno di fronte all'altro in un cerchio di colori spettrali;

3) righe che vanno dai colori cromatici (spettrali) agli acromatici, ad esempio: dal verde al bianco, dal verde al grigio, dal verde al nero.

La percezione del colore in persone diverse è simile. Il colore ha qualità oggettive, devi conoscerle per analizzare i tuoi sentimenti e usare il colore come mezzo per creare un ambiente armonioso dell'oggetto.

Il colore influenza la nostra percezione dello spazio reale: i colori dello spettro "caldo" si avvicinano visivamente. Pertanto, gli aerei colorati di arancione o rosso, ad esempio, ci sembrano più vicini degli aerei blu equidistanti. I colori scuri rendono gli oggetti visivamente più pesanti, più massicci di quelli chiari. Tuttavia, i colori caldi sono associati a un peso maggiore rispetto a quelli freddi. La colorazione influisce anche sulla percezione delle dimensioni: una macchia chiara su uno sfondo scuro sembra più grande di una scura di pari grandezza.

Ma non sempre questo o quell'effetto del colore può essere spiegato puramente fisicamente o fisiologicamente. Gli atteggiamenti verso il colore sono associati a una norma culturale. C'è un simbolismo del colore: il nero è il colore del lutto per gli europei, mentre il colore del lutto per i giapponesi è il bianco. Ricorda la "guardia bianca", i "berretti blu", le "camicie nere". Il colore è usato come codice: i vigili del fuoco si distinguono in rosso, i condotti dell'aria in blu, i tubi del gas in giallo, ecc. I semafori verdi, gialli, rossi di un semaforo sanno letteralmente tutto.

Percepiamo il colore, di regola, in combinazione con altri colori adiacenti. Di conseguenza, si forma un'immagine generale, percepita da una persona. "Armonia cromatica", "bella colorazione", "combinazione di colori di successo" sono espressioni a noi familiari e dietro di esse si trova all'incirca lo stesso contenuto.

Il rapporto tra i colori può essere contrastante o possono essere ravvicinati - sfumati. È relativamente più facile armonizzare i colori sfumati rispetto a quelli contrastanti, ma ciò non significa che siano sempre preferibili.

La scelta del colore può essere condizionata. C'è il concetto di "colorazione funzionale", cioè colorazione associata a una specifica funzione, azione, basata sulle proprietà oggettive del colore, da un lato, e la situazione reale, dall'altro.

La scelta del colore è dettata da varie considerazioni: sicurezza, facilità di riconoscimento, ecc. Un'auto da strada, ad esempio, deve essere chiaramente visibile da lontano. Una gru che si muove intorno al negozio o sul retro di un veicolo a ruote è solitamente contrassegnata da una "zebra" - strisce rosse e bianche, nere e gialle, bianche e nere che attirano l'attenzione. I colori utilizzati in una situazione del genere sono chiamati colori segnale, esacerbano la reazione necessaria, segnalano un possibile pericolo. Con l'aiuto del colore, viene risolto anche un altro compito: ridurre la tensione nervosa. È facile immaginare che tipo di tensione sia per un operatore quando ha i pulsanti del telecomando davanti agli occhi per diverse ore, o per un operatore di macchina che vede frese o frese in movimento per un intero turno. Qui vengono utilizzati toni neutri, evitando giustapposizioni nette e contrasti di colore.

Prima di procedere con la colorazione, delineano lo schema di distribuzione dei colori, quindi vengono selezionati i colori stessi. L'auto, ad esempio, può essere verniciata tutta in un colore, oppure puoi evidenziare l'abitacolo con un colore, i piani anteriori delle ruote con un altro e il resto dell'auto con un terzo.

Spesso la scelta del colore è praticamente incondizionata e illimitata. Di che colore dovrebbe essere un'auto privata? Sì, qualunque cosa. Può essere bianco, nero, rosso e blu, proprio come un telefono o un aspirapolvere.

La corrispondenza dei colori è un compito difficile e talvolta responsabile. Anche qui il momento del “gusto” conta, soprattutto quando si parla di casa. Per una decisione coloristica, non solo il nome di un colore o un numero di colori è importante, ma è anche importante misurare: quale tonalità di rosso - sbiancato o mescolato con nero, blu-verde o blu-viola - sarà abbinata a una tonalità adiacente.

Conoscendo i modelli oggettivi della percezione del colore, una persona può rendere bello l'ambiente del suo oggetto. Ha la capacità, per così dire, di valutare gli accostamenti cromatici dall'esterno, analizzando i propri gusti e preferenze personali.

5. Effetto fisiologico del colore.

Il colore è il mezzo più accessibile per plasmare l'ambiente di vita. Mentre i mobili, le finestre e le porte sono una produzione di fabbriche a larga diffusione, che, in linea di principio, non può essere modificata, non siamo praticamente limitati da nulla nella scelta del design del colore. Il colore a disposizione degli abitanti della casa può fare molto. Influisce in modo significativo sul carattere del nostro alloggio, conferendo a quest'ultimo comfort, aspetto estetico, individualità. Il colore può essere un mezzo di autoespressione di una persona, anche se dovrebbe essere esclusa un'eccessiva passione per l'originalità.

Le superfici bianche riflettono la maggior parte dei raggi luminosi e quindi rivelano il rilievo degli oggetti meglio di altri. Se la stanza è angusta e c'è un desiderio interiore di renderla più spaziosa, come spingerne i confini, allora ha senso incollare le pareti con carta da parati bluastra o grigiastra. Quindi i loro aerei si ritireranno (visivamente, ovviamente). Quando la stanza è eccessivamente allungata e vorrei ridurne leggermente la profondità, la parete di fondo dovrebbe essere dipinta in un tono caldo (arancione, rosso o terracotta) - questo lo "avvicinerà".

Nello spazio limitato di un interno residenziale, non percepiamo mai il colore in isolamento. I colori delle pareti, del soffitto, di tutti gli oggetti si influenzano a vicenda. Puoi parlare del "clima" cromatico degli interni. Il colore della parete è sempre abbinato al colore dei mobili, al colore del pavimento e dei tendaggi. Le relazioni tonali influiscono sulla percezione dello spazio: i rapporti di contrasto si avvicinano, mentre quelli sfumati no. Ecco un esempio: un pouf con rivestimento blu scuro, rivestito in legno chiaro, sembra più vicino dello stesso pouf, che combina lo stesso rivestimento blu, ma il legno è già scuro. Lo stesso effetto è causato dal rapporto tra il colore del pouf e il colore della parete. Questo porta alla conclusione: in una stanza angusta, i contrasti dovrebbero essere evitati.

Ognuna delle stanze è orientata verso un lato del mondo. Se la finestra si apre su